Εμφάνιση αναρτήσεων με ετικέτα ΜΟΥΣΙΚΗ. Εμφάνιση όλων των αναρτήσεων
Εμφάνιση αναρτήσεων με ετικέτα ΜΟΥΣΙΚΗ. Εμφάνιση όλων των αναρτήσεων

Κυριακή 31 Ιανουαρίου 2016

Die Nacht Strauss - Analysis


 “Die Nacht”, opus 10, no. 3, is typical of Strauss with its long phrases and lyricism. The indicated tempo is andantino. The meter is three-four and the accompaniment consists of moving eighth notes in the right hand. The key is D major, but moments of D minor and B-flat major are also present. The singer is afraid of the night because it is taking everything away from her, including the light, color, and beauty of day. The singer fears her beloved is the next to be taken as the couple walks through the woods at night. However, as the song ends, it returns to D major, suggesting that the lover remains and night has not triumphed after all.95 

Although the tessitura of “Die Nacht” is not high, the melodic lines ascend from a medium range, making it easier for a singer to transition into the passaggio. There are moments in which the phrase feels as if it will end, yet the phrases stretches for a few more beats. This suspenseful sensation is felt in the final phrase, “o die Nacht, mir bangt, sie stehle dich mir auch” (Oh, the night, I fear, may steal you from me, too).96 The pianissimo high G on “stehle” makes the phrase difficult enough, but it continues through “dich.” The [ʃh] of “stehle” adds another layer to the intimacy and difficulty of the moment. Musical Example 26 represents this difficult phrase. The song closes with a postlude alternating between D major and B-flat major, but comes to rest in D major.


In “Die Nacht”, the text speaks of the singer‟s fear of darkness. Though the darkness is temporary, the loss of a love can be permanent.




Sources
http://ir.uiowa.edu/cgi/viewcontent.cgi?article=2487&context=etd


Σάββατο 30 Ιανουαρίου 2016

The Trill in the Classical Period (1750–1820)


The baroque era trill (or shake) after c.1700 had, at least in theory, a standard form. Save possibly for the briefest trills and a few other exceptions, every trill had a starting appoggiatura (the prefix) and an ending turn (the termination or suffix). With only a very short appoggiatura from above (i.e. with a simple upper-note start), it would look something like this:

The standard trill in the 18th century.

It is not generally understood that this was taught as the standard and most common type of trill well after 1750; in fact, thoughout the entire 18th century, and into the 19th century! In particular, a main-note start for a trill is likely wrong (in the sense that it is not what the composer expected to hear) in flute music before c.1790, say. And it is not until the romantic era that we find almost all teachers and performers advocating a main-note start as the normal way to begin a trill.
Let us quickly survey some 18th century sources (flute, violin, and keyboard methods) to see what they teach about trills. Our 18C examples give "the rule" that every trill starts with an appoggiatura—which may be long, or so short as to match the other notes of the trill. (The extracts are taken out of context, so readers are advised to consult the original sources mentioned here, and others, when possible.) It is the start of the trill that will primarily concern us on this page.
Many authors have argued about possible exceptions and discussed problematic examples. Every rule in music has exceptions. The fact that the appoggiatura-start rule is taught in so many sources, however, means that we should be conscious that it was "the rule" even if we choose to ignore it in certain situations.
The survey extends somewhat past the end of the classical period to include, in particular, Hummel's 1828 piano school where he explains that he wishes to break with the past and start every trill with the main note.
It is important to study the treatises of J. J. Quantz, C. P. E. Bach, and Leopold Mozart from 1752, 1753, and 1756, respectively, since these method books were so influential in the classical period. Each was reprinted several times later in the 18th century.
The example below is from Quantz's Versuch einer Anweisung die Flöte traversiere zu spielen (English translation by E. R. Reilly as "On Playing the Flute", Faber and Faber, 1985).

From Quantz's Versuch, 1752.

This is admirably clear. The starting appoggiatura may be long or short, but it and the termination are required, whether indicated or not.
Notice that Quantz allows the option of starting the trill with an appoggiatura from below (not the main note, but a step below). This type of start is under-utilized and rarely heard in performances today. It is described in many sources from the second half of the 18th century and thoughout the 19th century.
The instructions of Leopold Mozart, the father of W. A. Mozart, in his Violinschule of 1756 are the same as those in Quantz (English transaltion by Edith Knocker in "A Treatise on the Fundamental Principles of Violin Playing", Oxford, 1948): "The beginning and the end of a trill may be made in various ways. It can begin at once with the upper note downwards. ..... But it can also be prepared by a descending appoggiatura which is suspended rather longer, or by an ascending appoggiatura...."
He suggests that the lower-note start is good at cadences. A little later, he says "All short trills are played with a quick appoggiatura [from above] and a turn" and he gives this example:

Short trills from Leopold Mozart, 1756.

There is no reason to suppose that Wolfgang Amadeus Mozart (1756–1791) ever deviated from the teachings of his father. There is no reason not to start every trill with the upper note in W. A. Mozart's flute quartets and flute concerti, in my opinion, and all sound better that way.
In his Versuch über die wahre Art das Clavier zu spielen of 1753 (English translation by W. J. Mitchell as "Essay on the True Art of Playing Keyboard Instruments", Eulenburg, 1974), C. P. E. Bach gives an encylopedic description of the types of trills (prefixes, suffixes, length) and the contexts where each type should or may be used. Both upper and lower-note starts are illustrated, but never a main-note start. Among a list of "other errors as ugly as they are frequent", he lists "plunging directly into a trill without playing a preceding appoggiatura...."
Among the instances of trills without suffix are the very short and rapid trills called Pralltrillers. In English sources, these are called half shakes, passing shakes, transient shakes, etc. C. P. E. Bach shows it with an upper-note start. On the right, below, is an example in context, with his fingering for the keyboard.
    
The Pralltriller according to C. P. E. Bach, 1753.

The Pralltriller works fine on a harpsichord, but he mentions that this ornament cannot be done well on the piano, even on the light fortepianos of his day, because the extreme quickness of the required snap tends to cause a piano player to play it too loudly. Flutists should remember that the Pralltriller in this form is quick but light.
Leopold Mozart, in the 1787 edition of his treatise, includes an illustration of the Pralltriller:

The Pralltriller according to Leopold Mozart, 1787.

Daniel Gottlieb Türk's Klavier-Schule of 1789 is another very detailed and influential method. (English translation by R. H. Haggh: "School of Clavier Playing", U. of Nebraska, 1982.)

The trill without termination according to D. G. Türk (1789). Correct (a) and incorrect (b).

Türk goes on to criticize composers who indicate the upper note start with a small appoggiatura, saying it can only confuse the player as it is "basically quite superfluous". That is, according to Türk, it is not intended to indicate anything unusual, but was the normal thing to do.
For Türk, the Pralltriller still retains an upper-note start:

The Pralltriller according to D. G. Türk, 1789.
J. G. Tromlitz, in his ...Unterricht der Flöte zu Spielen of 1791, has a different take on some matters. From Ardal Powell's translation in "The Virtuoso Flutist", Cambridge, 1991: "The trill, when it appears in the course of a melody, is always dependent on an appoggiatura from above or below, or on a preceding note taking the place of an appoggiatura... But if the melody begins with a trill, it can take an appoggiatura, though a very short one... however, it can also be made without an appoggiatura."
So here is an exception—a main note start is OK, for Tromlitz in 1791, when the trill begins the melody.
Tromlitz thinks of the trill "proper" as starting with the main note, after the appoggiatura is finished, and that it is the main note that is to be accented, after the appoggiatura is finished. Not all sources agree with this.

From Tromlitz, 1791.
This type of performance (a main-note start when the trill begins a phrase or is preceded by the upper or lower note, whether shown as slurred to it or not) may have been common at this time and even earlier.
Piano methods indicate a mixed practice in the 1790s; different teachers gave different explanations. Some recommend main-note starts for trills; others don't. We remark that some "musical clocks" (mechanical musical instruments) from this period show a predominance of main-note-start trills. For some details, see Sandra Rosenblum's Performance Practices in Classical Piano Music (Indiana U. Press, 1988). It is likely that pianists were among the first to use main-note starts indiscriminately, in part because of the reasons Hummel gives (see below).
Mathieu Peraut's Méthode pour la Flûte (Paris, c.1800) is very careful to show all trills starting on the upper note, with the exception of a single cadential trill starting on the note a step below the main note (second illustration).
        
The trill according to Peraut, c.1800.

Muzio Clementi's Introduction to the Art of Playing on the Pianoforte of 1801 contains an ornament table from which the following is drawn:

From Muzio Clementi's table of graces, 1801.

Clementi distinguishes short trills and passing shakes, but shows both with main-note starts. The meaning of passing shake (Pralltriller) has changed, and it will be shown this way (three notes, main-upper-main) and in this context (on the first of a pair of scale-wise descending notes) in almost all methods after 1800. It is often shown with a triplet rhythm (see under Dressler below). C. P. E. Bach and others would have called this so-called Pralltriller a Schneller rather than a proper Pralltriller, and many today would call it an inverted mordent.
A complete trill in Clementi starts with the upper or lower note, and not the main note. A sometime exception is when the note on which the trill is to be made is preceded by a note below or above it; see the last line below (also cf. the illustration from Tromlitz, above).

From Muzio Clementi's table of graces, 1801.

Tebaldo Monzani's Instructions for Playing the German-Flute [PDF version here] was first published in 1801. The excerpts we give below are from the 3rd Edition, c.1813. Concerning the performance of trills, he shows only what we see immediately below in his brief table of ornaments.

From Monzani's Instructions, 1801/c.1813.

But in a companion volume, Seven Studios [PDF version here], to his Instructions, we find the following in Studio 1 (marked allegro moderato). Monzani is presumably cautioning against a three-note Pralltriller as shown in Clementi. (This may also indicate that it is acceptable or encouraged to add short trills in similar passages where Monzani has written only short appoggiaturas. The short appoggiaturas are, of course, always firmly on the beat—see here.)

From Monzani's Seven Studios, c.1813.

In Hugot and Wunderlich's "Méthode de Flûte" of 1804, trills are introduced as starting on the upper note. This is still the standard. But they explain that trills can start with either the main note, the upper note, or the lower note, and they indicate two instances where they say either an upper-note start or main-note start may be used.

From Hugot et Wunderlich, 1804. Either upper- or main-note start.

(The articulation is curiously changed when they illustrate the main-note start in the second instance.)

From Hugot et Wunderlich, 1804. Articulation for upper- and main-note start.

From J. B. Cramer's Instructions for the Pianoforte (c.1810): "The Shake begins with the note above and ends on the principal note; when at the end of a piece it is generally followed by a turn...". All shakes illustrated in Fancesco Pollini'sMethodo del clavicembelo (c.1811) begin with the upper accessory, according to E. Dannreuter's Musical Ornamentation.
The explanation of trills in Rafael Dressler's New and Complete Instructions for the Flute (1827) [available here; see page 27] is very brief. The trill is described with examples starting on the main note, and this is presumably his preference. But after it is clear what a trill is, he says "It may be commenced in different ways; with the principal note itself, with the note above, or with a turn written in small notes." Passing shakes (Pralltrillers) start with the main note.

From Dressler's Instructions, 1827. Alternative starts and passing shakes.

A. B. Fürstenau's explanation of trills in his Flöten-Schule, Op.42, of 1826 is essentially the same as Dressler's. So is the description of trills by E. Walckiers in his Méthode de Flûte, Op. 30, of 1829.
But Drouët's Method of Flute Playing (London, 1830) is somewhat different. Drouët shows the trill first as an alteration of quarter notes starting with the main note. But that is just to fix the idea of alternating adjacent notes. His following examples make clear that he strongly prefers the upper-note start, and in case it is not clear, he states "It is necessary to remark that the shake commences with the note above." He shows very short trills as a triplet, as in Dressler.

From Drouët's Method, 1830.

Thomas Lindsay, in his The Elements of Flute-Playing, Part II (1830) says "Theorists are not agreed whether the Shake should begin with the [main] or upper note; it is, consequently, as often performed one way as the other."

From Lindsay's Elements, 1830.

Lindsay starts many trills with the main note:

From Lindsay's Elements, 1830.

In the case of the chain of trills shown below, Lindsay says either an upper or main-note start is OK—with the best effect obtained, assuming time permits, with an upper-note start and a turn on each trill.

From Lindsay's Elements, 1830.

A strong recommendation of a rule that all trills begin with the main note was advanced by J. N. Hummel in 1828, the year after Beethoven's death. In his Ausführliche Theoretisch Practische Anweisung zum Pianofortespiel, he states that he wishes to break with previous practice and henceforth start all trills with the main-note, in part simply because that's often easier on the piano. Here are his words (translation from Edward Dannreuter's Musical Ornamentation of 1894):

From Hummel's Anweisung, 1828.

L. Spohr in his Violinschule of 1832 says "Every shake generally begins ... with the principle note ...". A footnote states "This rule J. N. Hummel first advanced in his Piano-forte School...". A. B. Fürstenau, in his Die Kunst des Flötenspiels, Op.138, of 1844 agrees with the main-note-start rule and acknowledges the treatises of Hummel and Spohr (and Kalkbrenner, 1831) by name. His 1844 method omits the list of alternative starts that his 1826 Flöten-schule gave.
Still, flutists need not follow Hummel's rule for all music of the mid and late 19th century. For example, Rudolf Tillmetz included trills in his Melodic Etudes, Op.47, of c.1900 for which he used written short appoggiaturas to indicate an upper-note start (e.g., twice in Etude 1).

Source http://www.oldflutes.com/articles/classicaltrill/

Πέμπτη 19 Μαρτίου 2015

Το ποτάμι

[..] Σου λέω μη βιάζεσαι δεν ξέρεις πού έχεις φτάσει
ξυπνάς μια μέρα μ' ένα υπέροχο φιλί
κι όσα για πάντα είχες χάσει
για πάντα έχουν σωθεί.[..]

Γιάννης Αγγελάκας
"Το ποτάμι"

Σάββατο 5 Απριλίου 2014

"Η έκφραση της ανθρώπινης μουσικότητας" - Σημειώσεις

Η μουσική δεν μπορεί ποτέ να είναι αυτοσκοπός και κάθε μουσική μπορεί να είναι λαϊκή μουσική υπό την έννοια ότι η μουσική δεν μπορεί να μεταδοθεί, ούτε μπορεί να έχει καμία σημασία, όταν δεν αποτελεί το κοινό κτήμα ενός λαού.

Οι βασικές βιολογικές και αντιληπτικές διαδικασίες που γεννούν τη μουσική ενδέχεται να μεταδίδονται μέσω της ίδια της κληρονομικότητας και κατά συνέπεια να αποτελούν γενετικό γνώρισμα κάθε ανθρώπινου όντος.

Η ανθρωπολογική προσέγγιση στη μελέτη κάθε μουσικού συστήματος έχει πολύ περισσότερο νόημα παρά οι αναλύσεις των μορφών οργάνωσης του ήχου να να ήταν αυτοδύναμες οντότητες

Σάββατο 24 Νοεμβρίου 2012

Προσωδία

1. Ο μουσικός τονισμός σε διάφορες γλώσσες με βάση τη μακρότητα ή τη βραχύτητα των συλλαβών
2. τα γλωσσικά φαινόμενα (ένταση, ύψος φωνής, χρόνος) που συνοδεύουν τον προφορικό λόγο ΣΥΝ. επιτονισμός
3. ΜΕΤΡ η αξιοποιήση της μακρότητας ή της βραχύτητας των συλλαβών για την παραγωγή των ποιητικών μέτρων.
4. ΜΟΥΣ. οι κανόνες που καθορίζουν την εκφορά μεμονωμένων φθόγγων και την άρθρωση κατά τη σύνδεση τους.

Λεξικό Μπαμπινιώτη

Τετάρτη 28 Δεκεμβρίου 2011

10 reasons why singing is good for you…



If you love to sing, then you’re already aware that singing is fun, energizing and a great stress reducer. But if you’re one of millions who claim ” can’t sing!” then I suggest that you consider singing as an absolutely free, non-prescription, safe and 
effective life-enhancing tool. If you’re facing physical, emotional or mental challenges, or if you just want more peace and happiness, here are 10 ways singing can change your life!

1. Promotes deep breathing!

As you begin to use “full body breathing” with a relaxed, soft belly, you allow the 
diaphragm to drop down, giving the lungs the freedom to expand more fully. 
Relaxed abdominals are essential for proper breath support while singing. I like to 
think of “filling up like a balloon” when I sing. This gives firm, active breath support 
and allows for deep, full breathing. Singing promotes slow, deep, healthy 
breathing.

2. Oxygenates the blood!

As you use full body breathing, you are bringing in a greater volume of air. Oxygen 
floods the blood system, bathing the cells in life-giving oxygen. You will feel more 
alive as you breath deeply and fill yourself with energizing, oxygenated air! Singing oxygenates the blood!

3. Stimulates brain activity!

Singing requires thought. You are memorizing lyrics, melodies and rhythms, as well as connecting words with emotion. Your “singer’s breathing” technique is bringing more oxygen to the brain. Your brain’s neurons are firing furiously as you are integrating the physical, emotional and psychological functions necessary to joyful singing! Singing stimulates brain activity!

4. Releases “feel good” endorphins!

All this physical, neurological and emotional activity serves to release those “feel- 
good” hormones called endorphins. So not only is your audience benefiting from 
your lovely voice, but you are being flooded with happy hormones that give you a 
sense of peace and well-being. Singing feels fantastic because it releases “feel 
good” endorphins!

5. Reduces stress!

When you feel good, your stress level goes down. Endorphins help diminish stress 
and agitation. By using deep, full body breathing you slow the heart rate and take 
your mind off of unwanted anxiety. The next time you feel stressed or overwhelmed, 
take a full body breath, and break out singing! Your stress will fly away as you reap 
the benefit of joyful singing!

6. Builds self-confidence!

Speaking in public is still the #1 fear for Americans. Singing ranks right up there for 
most of us. Singing is a risk-taking behavior because you’re putting yourself out 
there in a very exposed way. It dredges up all our insecurities and self-imposed 
limitations. When you dare to share your voice and music, a fantastic thing 
happens. It’s like walking through fire. You overcome your fear, and emerge with 
an incredible sense of accomplishment. You did it! Your self-esteem soars and you feel that you can do anything! Singing builds self-confidence in a BIG way!

7. Enhances memory!

Singing involves memorization as you learn new melodies, lyrics and complex 
musical forms. It’s a great way to stimulate the areas of the brain involved with 
memory, learning and concentration. Use it, or lose it! Singing is a great way to 
enhance your memory!

8. Boosts creativity!

As you build your self-esteem and stimulate your artistic soul, you’ll find that all 
areas of your life are positively affected by the act of singing. Suddenly you’ve 
opened the floodgates of your creative soul, and you begin thinking outside the 
box! Your productivity soars! By tapping into your creative reservoir you become 
more alive and innovative! Singing boosts creativity!

9. Creates a powerful speaking voice!

If you’re a speaker, presenter, teacher, clergy or in any sales related business (aren’t we all??), you will benefit from learning to sing. Your voice is your instrument, no matter what you do in life, and singing gives you the skills to speak in a natural, powerful, confident voice. Everyone benefits from proper singing technique. You’ll discover your “true” voice that will reveal your confident, authentic self. Finding your voice is a joy. Singing creates a powerful speaking voice!

10. Makes you feel fantastic!

Singing makes you feel self-assured, in control, physically alive and fantastically 
creative. It feeds your soul as it creates physical well-being. With increased self- 
confidence you can do anything! Physical, mental and emotional health is a great 
side effect of singing. There’s no doubt about it, singing makes you feel fantastic!

Παρασκευή 25 Νοεμβρίου 2011

Ντάριους Μιλό (1892 - 1974)

Ο Ντάριους Μιλό (Darius Milhaud) γεννήθηκε στις 4 Σεπτέβρη του 1892 στη Μασσαλία και πέθανε στις 22 Ιουνίου του 1974. Ήταν μέλος των "6" (Les Six) και ένας από τους πιο παραγωγικούς συνθέτες του 20ού αιώνα.
Οι πολυάριθμες συνθέσεις του έχουν επιρροές από την τζάζ και χρησιμοποιούν την πολυτονία.




Τετάρτη 23 Νοεμβρίου 2011

Εκτόρ Μπερλιόζ (1803 - 1869)

Ο Εκτόρ Μπερλιόζ (Hector Berlioz, 11 Δεκεμβρίου 1803- 8 Μαρτίου 1869) ήταν ένας γάλλος συνθέτης της εποχής του Ρομαντισμού.

Ανάμεσα στα σημαντικότερα έργα του συγκαταλέγεται η Φανταστική Συμφωνία (Symphonie Fantastique) η Λειτουργία των Νεκρών (Messe des morts, "Requiem")

Ο Μπερλιόζ συνεισέφερε σημαντικά στην εξέλιξη της ορχηστρικής μουσικής συνθέτοντας έργα για και παρουσιάζοντας τα με ορχηστρικά σχήματα ευρείας κλίμακας. Ανάμεσα στα έργα του συμπεριλαμβάνεται και η σύνθεση 50 περίπου τραγουδιών.

Τρίτη 27 Σεπτεμβρίου 2011

Υγιεινή της φωνής

Σας παραθέτουμε κάποιες χρήσιμες συμβουλές που θα βοηθήσουν στη διατήρηση της υγιεινής της φωνής. Επίσης συνιστώνται και σε άτομα που έχουν βραχνάδα.

* Αποφύγετε τα πολύ ζεστά και τα πολύ κρύα. Να προτιμάτε τα χλιαρά.

**Να μιλάτε στην ένταση που σας βγαίνει η φωνή. Μην ψιθυρίζετε, μη φωνάζετε και μη βιάζεστε.

**Προσπαθήστε να μην κάνετε κατάχρηση της φωνής σας. Περιορίστε τους εξωτερικούς θορύβους όταν μιλάτε (χαμηλώνοντας ή σβήνοντας την τηλεόραση ή το ράδιο). Πλησιάστε το συνομιλητή για να μιλήσετε και μη φωνάζετε από μακριά.

**Αποφύγετε να καθαρίζετε το λαιμό σας με βίαιη φώνηση που θυμίζει βήχα, γιατί αυτό σημαίνει και βίαιο παλμό των φωνητικών χορδών.

**Αποφύγετε την ομιλία ή το τραγούδι. Προσπαθήστε να ξεκουράζετε τη φωνή σας (με σιωπή) όταν σας δίνεται η ευκαιρία.

**Αποφύγετε να συζητάτε σε θορυβώδη μέρη, προσπαθώντας να μιλήσετε σε τέτοιες συνθήκες, γίνεται καταπόνηση της φωνής.

**Μη φωνάζετε όταν μιλάτε στο τηλέφωνο και μην κρατάτε τη συσκευή του τηλεφώνου μεταξύ του κεφαλιού και του ώμου για μεγάλα χρονικά διαστήματα γιατί μπορεί να προκαλέσει μυϊκή ένταση στο λαιμό.

**Καλό είναι να χρησιμοποιείτε διαφραγματική αναπνοή.

**Αποφύγετε εργασίες που σας φέρνουν σε επαφή με σκόνη. Σε περίπτωση που είναι απαραίτητες, φορέστε ειδικές μάσκες.

**Πίνετε άφθονο νερό. Συνιστάται να έχετε πάντα μαζί σας ένα μπουκαλάκι νερό το οποίο να καταναλώνετε σε μικρές ποσότητες αλλά με μεγάλη συχνότητα κατά τη διάρκεια της ημέρας. Ετσι ενυδατώνεται τακτικά η περιοχή του λάρυγγα σε παρατεταμένη φώνηση.

**Αποφύγετε το τσάι, συνιστάται το φασκόμηλο.

**Επίσης η λήψη αλκοόλ και καφεϊνούχων ποτών (καφές, κόκα-κόλα) συμβάλλουν στην αφυδάτωση των βλεννογόνων, οπότε στο πλαίσιο της φροντίδας της υγείας της φωνής μας πρέπει να καταναλώνονται με μέτρο.

**Η εισπνοή ατμού βοηθά στην ενυδάτωση της αναπνευστικής οδού. Μπορείτε να χρησιμοποιείτε και φασκόμηλο αντί για νερό.

**Συμπεριλάβετε πολλά δημητριακά ολικής αλέσεως, φρούτα και λαχανικά στη διατροφή σας. Αυτά τα τρόφιμα περιέχουν βιταμίνες και βοηθούν τους βλεννογόνους.

**Το ενεργητικό και παθητικό κάπνισμα προκαλεί σημαντικό ερεθισμό και οίδημα των φωνητικών χορδών, κάτι το οποίο οδηγεί σε αλλοιώσεις στην ποιότητα της φωνής.

**Αποφύγετε την κατανάλωση πικάντικων τροφών. Πικάντικα τρόφιμα μπορούν να προκαλέσουν παλινδρόμηση.

**Μην τρώτε αμέσως πριν ξαπλώσετε για να αποφύγετε «ξινίλες» που οδηγούν σε περαιτέρω ερεθισμό της ήδη ευαίσθητης βλεννογόνου μεμβράνης στις περιοχές των οργάνων φώνησης.

**Χρησιμοποιείτε έναν υγραντήρα (ή κατσαρολάκι με βραστό νερό πάνω στο καλοριφέρ) στο σπίτι σας. Αυτό είναι ιδιαίτερα σημαντικό σε ξηρά κλίματα.

**Πλένετε τα χέρια σας συχνά για την πρόληψη κρυολογημάτων και γρίπης.

**Να ασκείστε τακτικά. Η άσκηση αυξάνει την αντοχή και το μυϊκό τόνο. Αυτό σας βοηθά στην καλή στάση και την αναπνοή, οι οποίες είναι απαραίτητες για τη σωστή ομιλία. Να γυμνάζεστε με «μέτρο» γιατί η σωματική κόπωση έχει αρνητική επίδραση στη φωνή.

**Αποφύγετε στοματικό διάλυμα ή γαργάρες που περιέχουν αλκοόλη ή χημικές ουσίες που ερεθίζουν το λαιμό. Αν ακόμη επιθυμείτε να χρησιμοποιήσετε ένα στοματικό διάλυμα, καλό είναι αμέσως να γίνεται ξέπλυμα με νερό. Αν είναι απαραίτητο να γίνουν κάποιες γαργάρες, συνιστάται το αλατόνερο.

**Αποφύγετε τους κλειστούς χώρους με πολύ καπνό.

**Αποφύγετε χώρους με κλιματιστικά μηχανήματα.

Τετάρτη 16 Ιουνίου 2010

McSistema

Του Χαράλαμπου Γωγιού

Η σύγχρονη ιστορία της Βενεζουέλας προσφέρει μια σειρά από ενδιαφέρουσες προκλήσεις για τους σκεπτικιστές. Τόσο η «Μπολιβαριανή Επανάσταση» του Hugo Chávez, αυτό το θρασύ κράμα λαϊκισμού, αυταρχισμού και αυθεντικής σοσιαλιστικής πνοής, όσο και το «μουσικό θαύμα» που αποτελεί το Κρατικό Ίδρυμα για το Εθνικό Σύστημα Νεανικών και Παιδικών Ορχηστρών της Βενεζουέλας (FESNOJIV) συνιστούν, το καθένα με τον τρόπο του, από μια εικονογράφηση του διαφημιστικού σλόγκαν της εταιρείας ενδυμάτων Diesel (“Smart may have the brains, but stupid has the balls”), καλώντας ακόμη και τους πλέον κυνικούς από εμάς να αναπροσδιορίσουν τις προκαταλήψεις τους για τις «ορθές» αναλογίες ανάμεσα στον πραγματισμό, τον ιδεαλισμό, την αφέλεια και την ευγένεια.

Στον ιστότοπο του FESNOJIV διαβάζω με έκπληξη πως ο εμπνευστής της μουσικοπαιδαγωγικής μεταρρύθμισης της Βενεζουέλας, José Antonio Abreu, γεννήθηκε «μια 7η Μαΐου [...], την ευλογημένη ώρα της αυγής». Η διατύπωση μπορεί να μην είναι εξίσου ακραία με εκείνη των βιογράφων του Υπέρτατου Ηγέτη της Βόρειας Κορέας, Κιμ Γιονγκ Ιλ (του οποίου η γέννηση προαναγγέλθηκε από ένα χελιδόνι, ένα διπλό ουράνιο τόξο και ένα νέο αστέρι στον ουρανό), ωστόσο ο μεσσιανικός τόνος είναι, και σ’ αυτή την περίπτωση, ορατός, αναμφισβήτητος – και συγκινητικά ειλικρινής: ο Abreu είναι ο «σπορέας της ελπίδας», το FESNOJIV αποκαλείται «Το Σύστημα» (El Sistema) και η «φιλοσοφία» του περιλαμβάνει διακηρύξεις («Στο παρελθόν, η τέχνη ήταν ζήτημα των λίγων για τους λίγους, και αργότερα των λίγων για τους πολλούς. Σήμερα, είναι ζήτημα των πολλών για τους πολλούς») των οποίων το «κιτς» θα έκοβε την ανάσα – αν η αλήθεια τους δεν ήταν τόσο καταφανώς βιωμένη και ριζωμένη στην ιστορία και την πραγματικότητα του τόπου.

Τίποτε δεν θα είχε σημασία αν το «Σύστημα», στην τριακονταπενταετή του πορεία, δεν είχε σημειώσει τη συγκλονιστική επιτυχία που, αδιαμφισβήτητα, έχει. Πέρα από, απλώς, ένα πρωτοποριακό σύστημα μουσικής εκπαίδευσης, το όραμα που ο οικονομολόγος Abreu έθεσε σε δράση το 1975 με την ίδρυση της πρώτης Εθνικής Νεανικής Συμφωνικής Ορχήστρας της Βενεζουέλας δεν ήταν τίποτε λιγότερο από την ολοκληρωτική αναδιάρθρωση της κοινωνίας κατά τα δομικά πρότυπα της συμφωνικής ορχήστρας, η οποία, κατά την άποψή του, αποτελούσε υπόδειγμα της ιδανικής κοινωνικής οργάνωσης: ένα περιβάλλον ελεύθερης, δημιουργικής συμμετοχικότητας, όπου κάθε μέλος είναι ταυτόχρονα υπεύθυνο για την προσωπική του βελτίωση, τον ιδιαίτερο ρόλο του στο σύνολο και τη συνεργατική πραγμάτωση του συλλογικού στόχου. Σε μια κίνηση στρατηγικής σημασίας, το Σύστημα τέθηκε εξαρχής υπό την αιγίδα όχι του Υπουργείου Πολιτισμού, αλλά των διαφόρων υπουργείων κοινωνικής μέριμνας, πράγμα που συνέβαλε αποφασιστικά στη γενναιόδωρη (και απρόσκοπτη, παρά τα χρόνια και τις πολιτικές μεταπτώσεις) οικονομική στήριξη από το Κράτος. Αποτέλεσμα: η Βενεζουέλα των 27.000.000 κατοίκων διαθέτει σήμερα πάνω από 180 (!) νεανικές και παιδικές ορχήστρες, χορωδίες και μουσικές ακαδημίες, στις οποίες συμμετέχουν περίπου 350.000 νέοι (στη μεγάλη πλειοψηφία τους από χαμηλά κοινωνικά και οικονομικά στρώματα), καθώς και ένα μουσικοπαιδαγωγικό σύστημα-πρότυπο, με σειρά από επίδοξους μιμητές, ακόμη και στις πλέον ανεπτυγμένες χώρες του πλανήτη.

Ωστόσο: όσο κι αν το σύστημα του Abreu θριάμβευσε κοινωνικά αξιοποιώντας την «κλασική» μουσική ως δίοδο για τις ικανότητες και τις φιλοδοξίες χιλιάδων νέων πολιτών· όσο κι αν έδρασε ως αποτελεσματικό αντίπαλο δέος στη ζωή του υποκόσμου και του εγκλήματος· όσο κι αν το σπουδαίο εκπαιδευτικό πρόγραμμα (με σλόγκαν «πρώτα το πάθος, ύστερα η εκλέπτυνση») πριμοδότησε παραμελημένες όψεις της μουσικότητας, όπως η σωματική συμμετοχή, η ομαδικότητα και η άρρηκτη διαπλοκή ζωής και μουσικής, παράγοντας εντέλει ένα συλλογικό ήχο απροσδόκητου αισθησιακού πλούτου και γενναιοδωρίας: η εξαγωγή της Βενεζουελομανίας και η εξιδανίκευση του Συστήματος ως «το μέλλον της κλασικής μουσικής*» θέτει μια σειρά από ανησυχητικούς κινδύνους, η αντιμετώπιση των οποίων απαιτεί την κινητοποίηση του συνόλου της ευαισθησίας και της κριτικής μας αντίληψης. Δεν είναι τυχαίο που η διεθνής παράκρουση άρχισε πάνω-κάτω παράλληλα με τις ηχογραφήσεις (για την Deutsche Grammophon!) του πιο εκλεπτυσμένου «προϊόντος» του Συστήματος, της Ορχήστρας Νέων “Simón Bolívar” υπό τον Gustavo Dudamel, σπουδαίο μεν αρχιμουσικό, αλλά επίσης νέο, ωραίο, εξωστρεφή, με εξωτική σύζυγο... Το «πάθος» και η «αυθεντικότητα» των νέων μουσικών της Βενεζουέλας όξυνε τα συμπλέγματα για τη δική μας αλλοτρίωση, λυτρώνοντας ταυτόχρονα με βολικό τρόπο την κληρονομιά της κλασικής μουσικής από τις κατηγορίες για ελιτισμό. Η ευρωαμερικανική νευρωτική λατρεία του ρομαντικού πρωτογονισμού έδειξε εδώ το χειρότερό της πρόσωπο, απειλώντας να αφομοιώσει το «θαύμα» της Βενεζουέλας στο αγοραίο, παγκοσμιοποιημένο, καπιταλιστικό πρότυπο της τέχνης-ως-καταναλώσιμου-αγαθού: στο ακριβές αντίθετο, δηλαδή, από το όραμα του Abreu – μέσα στο οποίο, όμως, καλώς ή κακώς, εμείς ζούμε! Ποια είναι, λοιπόν, η ευθύνη μας ως Ευρωπαίων ακροατών; Κατά τη γνώμη μου, να αντιμετωπίσουμε το θρίαμβο της Βενεζουέλας ως αυτό που είναι, δηλαδή το επίτευγμα ενός λαού που πρότεινε με τόλμη και φαντασία τις ΔΙΚΕΣ ΤΟΥ λύσεις στα ΔΙΚΑ ΤΟΥ προβλήματα, επενδύοντας, επιπλέον, σε υποδομές, και όχι σε πυροτεχνήματα και εντυπωσιασμούς. Το «Σύστημα» έσπειρε, με υπομονή και πίστη, για το μέλλον. Ας μην το αντιμετωπίσουμε ως το νέο χάμπουργκερ με εξωτική εσάνς.

*Drew McManus, “The Future Of Classical Music Is In Venezuela”, The Partial Observer, Ιούλιος 2005

(Το κείμενο πρωτοδημοσιεύτηκε στο περιοδικό ΕΦ στις 10-6-2010)

Τρίτη 28 Ιουλίου 2009

Carbonated Lemonade

Young Group emerged from Schoolwave Music Festival organized yearly in Greece

Listen :

1. Remember
http://www.youtube.com/watch?v=HkTiAYDtv8c

2. Lenor
http://www.youtube.com/watch?v=vef8oVUUOKc&feature=related

Fake Plastic Trees

Her green plastic watering can
For her fake Chinese rubber plant
In the fake plastic earth.
That she bought from a rubber man
In a town full of rubber plans
To get rid of itself.
It wears her out, it wears her out
It wears her out, it wears her out.

She lives with a broken man
A cracked polystyrene man
Who just crumbles and burns.
He used to do surgery
For girls in the eighties
But gravity always wins.
And it wears him out, it wears him out.
It wears him out, it wears . . .

She looks like the real thing
She tastes like the real thing
My fake plastic love.
But I can't help the feeling
I could blow through the ceiling
If I just turn and run.
And it wears me out, it wears me out.
It wears me out, it wears me out.

And if I could be who you wanted
If I could be who you wanted
All the time, all the time.
Oh, oh.

RADIOHEAD

Δευτέρα 27 Ιουλίου 2009

Που είναι ο Θεός;

Ξημέρωσε ο Θεός
απλώθηκε το φως στον Ψηλορείτη
κι έλαμψε το πληγωμένο κορμί της Κρήτης
κι η θάλασσα...
Τα σπίτια καίγονται
θρηνούνε οι γυναίκες
γυρίζουν τα παιδιά ορφανεμένα
κι οι άντρες απροσκύνητοι
πιάνουν τα διάσελα
χωρίς ψωμί, χωρίς φυσέκια...
Πού είναι ο Θεός
την Κρήτη μας να δει
να την πονέσει!

Στίχοι: Νίκος Καζαντζάκης
Μουσική: Μάνος Χατζιδάκις
Πρώτη εκτέλεση: Γιώργος Ρωμανός

Παρασκευή 24 Ιουλίου 2009

Τετάρτη 8 Απριλίου 2009